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172. Previsualización en blanco y negro en cámara

Hola y bienvenidos, un día más, a Aprender Fotografía – el podcast. Soy Fran Valverde y me acompaña Pere Larrègula. Felicitamos al año a los que nos escucháis por primera vez hoy. En el programa de hoy nos vamos a centrar en el por qué de la previsualización en blanco y negro en cámara.

Estamos a día 5, mañana los Reyes. Esperamos que os traigan muchos gadgets fotográficos: cámaras, obtetvios… cualquier cosa que os generen dudas y preguntas. Y que no sean muy caras, aunque sabemos que este último punto es difícil.

Este comentario me recuerda al meme que circula por internet en el que aparecen muchos productos de Canon y aparece un texto que dice: “Si no quieres que tu hijo se meta en drogas, enséñale fotografía. No tendrá dinero para drogas nunca.”

Los que ya lleváis tiempo en la fotografía ya lo sabéis, pero para los nuevos, comentaros que la fotografía es como una droga dura, y además bastante cara. En la fotografía pasa como en muchos otros vicios, empiezas controlando, o al menos te lo parece. Pero llega un punto que es la fotografía la que te controla a ti, y ya no puedes parar.

Recordaros que tenéis disponibles nuestros cursos online. Ya hay seis subidos y el próximo día 15 de enero subiremos el de flash de zapata y el de curso básico en exteriores. Los que ya están subidos son los siguientes:

Curso de iniciación a la fotografía digital

Curso de gestión de modelos

Curso de iluminación en estudio básico

Curso de Adobe Lightroom básico

Curso básico de marketing para fotógrafos

Curso de cómo montar tu propio estudio fotográfico

La suscripción cuesta 10 euros al mes. Con esta suscripción se dispone de acceso a todo el contenido, es decir, a todos los cursos. Cada mes vamos añadiendo entre uno y dos cursos. Estos cursos se pueden ver tantas veces como se quiera. Están colgados en Vimeo pero con un sistema que permite que los usuarios se suscriban y que puedan acceder tras realizar la suscripción. Si no se ha suscrito, no permite el acceso. No son públicos, son privados.

Esperamos que os vayan gustan los cursos que vamos subiendo cada mes y esperamos que nos digáis qué os parecen y por otro lado, los que más atractivo tengan para vosotros, los que más os interesen.

Probablemente en febrero y marzo estaremos con Boudoir. Una vez que hayamos subido los cursos de conocimientos básicos, empezaremos con los específicos. Tenemos unos cuantos pendientes que hacíamos presenciales y que vemos interesante hacerlos también online. Todos aquellos que no os podéis desplazar a los cursos presenciales, agradeceréis tenerlos online.

Hoy tratamos el tema de el por qué de la Previsualización en blanco y negro en cámara, es decir, poner el visor en blanco y negro. Indicar que el Raw está en color, es el sidecar que tiene el Raw el que se ve en blanco y negro. El hecho de tenerlo configurado así es por varios motivos. El fundamental es porque me gusta diferenciar claramente las luces de las sombras. Tener muy claro qué zonas tienen luz, qué zonas tienen sombra, y que no me confundan los colores.

Contraste de la escena

Para los que no llevan mucho tiempo en fotografía, aclarar que un rojo, por ejemplo, puede reflejar más gris o menos gris. No previsualizo en blanco y negro en cámara por un tema de medición sino que lo hago simplemente por contraste. Por ver claramente el contraste de la escena. Suelo jugar en monocromo pero siempre elevando el contraste del ajuste al 50%.

Cuando reviso las fotos, intento verlas como si mi cámara tuviera menos rango dinámico. Es decir, como si las viera en papel, en una química. Intentar buscar que me vayan a caber en blanco y negro cinco pasos.

Una vez que las cargas en Lightroom todo esto desaparece. Se trata simplemente de una guía. Las pocas veces que yo miro a la cámara para comprobar una foto, prefiero verlas así, con un contraste muy alto para ser consciente de cómo es la escena de agresiva. Lo utilizo mucho más cuando hago retratos que cuando hago fotos generales. Cuando hago retratos o Street (por la calle), siempre es en blanco y negro. Además el resultado va a ser en blanco y negro. El 60 o 70% de los retratos serán en blanco y negro. Y en el caso de la calle, probablemente sea el 100%. A no ser que vea a una fashion victim con un atuendo muy colorido.

Subir el contraste para que el color no influya

Previsualización en blanco y negro en cámara porque no quiero que el color me influya a la hora de componer. Por el visor visualizo en color pero cuando veo la foto en blanco y negro soy capaz de ver si el encuadre no es el más apropiado por contraste de la escena.

Lo hago simplemente porque me resulta más sencillo descartar fotos. Las fotos que por contraste no me cuadran en monocromo, directamente las borro. Aprecio mucho más si esa foto está equilibrada para mí.

No toco los colores, lo único que hago es subir el contraste. Hago el ajuste del monocromo pero luego subo el contraste al 50%. Para que el paso de blanco a negro sea más rápido, es decir, que los blancos se vean más blancos y los negros más negros. Hago el contraste más estrecho, eliminando texturas tanto de blanco como de negro.

Al hacerlo más estrecho, el riesgo lo tengo más asumido y más controlado. Es decir, puedo arriesgar más en luces y en sombras porque sé que tengo recuperación. Sé que un papel me lo va a soportar tal cual está, aunque fuerce mucho el contraste.

En un retrato en blanco y negro, separar bien las luces y las sombras es vital ya que el rango dinámico del papel es menor que el de una pantalla. Es mucho más importante no perder detalles aunque se tenga un contraste menor. No conviene perder detalles, que una sombra se vea completamente negra, por ejemplo. Se verán las texturas de unas sombras perfectas en pantalla, sin embargo, al pasarlo a papel habrán desaparecido estas texturas. Y puede que la fuerza en esa foto sea la textura.

Sombras

Para un usuario que viene del químico sí que es importante. En químico se podían subir sombras, pero en digital no. Subir sombras quiere decir meter ruido, y no queda igual. De hecho, una de los peores aspectos de la fotografía digital es el tratamiento de sombras. Solo se puede saturar y no es recomendable. Por el contrario, en químico se trata de hacer un revelado más largo y no pasa nada, es posible levantar una sombra más oscura y sacar detalle. En digital sacar detalle de una zona que ya es muy oscura es muy difícil.

De esta forma, poniéndolo en blanco y negro, cuando reviso la foto soy consciente de si me he pasado o no. Un tema es la exposición correcta, que va muy bien cuando se trata de sesiones formales. Pero en el caso de fotografía de proyecto personal no, arriesgo muchísimo más. En la fotografía comercial hay que arriesgar porque si no, no marcarás diferencia. Pero en tu proyecto personal debe ser todavía más agresivo. Hay que ir sin miedo de romper unas luces. Hay que buscar el plasmar el sentimiento del momento.

El hecho de previsualizar en blanco y negro en cámara me da esa sensación de plasmar lo que realmente quiero. En Boudoir siempre disparo en blanco y negro también, incluso en los talleres. Le pongo el mismo contraste. Me gusta ver que puedo llegar a romper una luz. Y no me obsesiono por romperla.

Si lo viera en color, apreciaría las manchas que da una cortina, por ejemplo. Estas manchas me despistarían, tendría la sensación de que hay algo que me altera, que no me da lo que yo busco.

Tipo de blanco y negro

Esto no te lleva a revelar en blanco y negro por sistema. A mí me gusta un tipo de blanco y negro que es muy químico, con un contraste muy fuerte. Me he hecho una acción en Photoshop para trabajar con blanco y negro que a mí me gusta. Es una mezcla de lo que yo hacía en químico y cómo se revelaba entonces, y cómo he visto a alguno de mis referentes. Se trata de blancos y negros muy marcados. En retrato juego un poco con un estilo de blanco y negro con cierto toque metálico. Le da un toque muy interesante, sobre todo en Boudoir. Cuando la piel toma mucho protagonismo me gusta tirar por ahí.

Ya lo explicaremos en un programa, puede ser interesante incluso grabar un pequeño video anexo. Yo me decanto por la simplicidad en cuanto a la gestión del blanco y negro. He probado haciéndome mis presets en Lightroom y me acerco pero no del todo.

No se le puede hacer a todas las fotos el mismo blanco y negro con el mismo preset. En una foto predominan unos tonos, en otra otros… De tal manera que hay que jugar con las curvas de las fotos en colores para hacer que el rojo se vea más claro o más oscuro, por ejemplo. Sería muy complicado hacerlas todas parecidas.

Me he hecho es una acción en la que juego con curva básicamente. En algunas ocasiones le doy un poco más, en otras menos, pero lo tengo muy asumido a nivel visual.

Me acerco a la situación que encuentro en la cámara cuando disparo. Se trata de un contraste muy marcado pero sin perder detalle. Refuerzo el detalle por otro lado. Hago un procesado blanco y negro y después juego con “dodge and burn”, fuerzo más alguna sombra, levanto alguna luz… Quien haya entrado en mi Instagram verá que todos los blanco y negro se parecen muchísimo pero hay ligeras diferencias que son más de mensaje que de técnica, ya que la técnica es la misma, siempre hago lo mismo.

El sistema de zonas

El sistema de zonas, que ya lo trataremos más detenidamente otro día, lo utilizo mucho para explicar cómo medir. Me baso en un libro de Ansel Adams que se llama la copia. Él lo explica al positivar, es decir, al pasar a papel, cómo hay que tener claras las zonas.

Uno de los aspectos que me obsesiona en el blanco y negro es que la piel se vea gris. Da sensación de subexpuesto. Esos grises muy intensos para mí en una piel caucásica quedan mal.

A otros fotógrafos les gusta, a mí personalmente no. Para mí es vital que la piel se vea clara. Una piel caucásica no está en la zona cinco, se debe de ver clara. Está en la zona seis, está más alta. Si se deja en la cinco se hace a esa persona gris. No se trata de una clave baja, se trata de gris.

Soy más partidario de llevármela a la siete que a la cinco. En retratos me gustan las pieles claras, y si el pelo es negro, lo quiero negro. Lo mismo con las pestañas, cejas… todo lo que sea negro, lo quiero negro puro.

Esta es la razón de por qué disparo en monocromo. Necesito ver la foto así. Necesito ver que la piel tiene la zona que yo quiero.

Hace muchos años, al principio, intentaba ver la escena en blanco y negro sobre todo para ver el contraste y para medir. Pero con el tiempo la medición se convierte en un acto reflejo. Es como conducir, algo que lo haces por inercia, no piensas cuando vas a acelerar o pisar el embrague. Cuando se empieza en la fotografía sí que se piensa en este tipo de cosas pero con el tiempo se automatiza.

No puedo ver la escena en blanco y negro porque no lo es. Así que la mejor manera de verla en blanco y negro y que más se asemeje a la idea que busco es poner el sidecar en blanco y negro. Se lo recomiendo a la gente que empieza. Es una forma de ver el contraste de la escena y comprobar si se mide bien o no. Una piel caucásica dependiendo de la temperatura de color de la que estemos trabajando, se puede ver más clara o más oscura. Pero si se juega con un contraste reducido, siempre se verá más clara. Así que ya se sabe que está bien. Hay que olvidarse de la temperatura porque la va a ignorar. No afectará de una forma significativa. Si nos equivocamos por mucho está claro que afectará. La temperatura hay que ponerla bien incluso para el blanco y negro porque si no la piel puede quedar gris.

Es una forma de que los usuarios entiendan también que la fotografía se trata de luces y sombras, nada más. La fotografía es luz. Así que interpretar las luces al hacer una foto es vital. La foto que se hace debe de corresponder con la luz que imagen que se tenía.

Lo recomiendo también a los usuarios que empiezan porque es una forma de desconectar del color para tener una visión más de luz y menos de color. El color no existiría si no hubiera luz.

La luz es la fuente básica para hacer una fotografía. Si nos centramos en eso, nos olvidamos de otros detalles que no son tan importantes como éste.

Bueno, hasta aquí el programa de hoy. Aunque nos gustaría saber qué os interesa más si repasar el sistema de zonas de Ansel Adams, o por dónde van vuestras inquietudes. Entendemos que ver un video o un revelado en blanco y negro os interesa seguro, ¿verdad?

 

En el curso de iniciación a la fotografía comentamos qué cosas se pueden buscar en cada zona para poder medir en consecuencia. En el práctico los usuarios se darán cuenta de que no tiene tanta utilidad real, salvo en momentos muy concretos. Es simplemente cómo poder entender que el césped refleja más luz que otros aspectos. O por ejemplo, que el asfalto, en función de cómo le dé el sol, reflejará más o menos luz. O que la piel caucásica no refleja igual la cara que la mano. Es importante entender este tipo de detalles ya que entonces se entiende cómo funciona una cámara, cómo se mide…

A efectos prácticos no se pueden medir zonas tan pequeñas, a no ser que estemos enganchados y se vaya a hacer una macro. Así que, como no se pueden medir las zonas tan pequeñas, lo realmente importante es entender que luego cada uno de esos elementos debe de estar en su zona.

Por ejemplo, si el césped refleja cero, al revelar la foto debe de estar en cero. Si está en la zona cinco, y aparece en la seis o la cuatro, está mal. Si está en la seis estará demasiado brillante, y si está en la cuatro demasiado oscuro. El concepto de exposición correcta se entiende mucho mejor con el sistema de zonas. Que simplemente te dice que está dentro de un paso, y un paso es el doble de luz. Puede estar en la parte alta o en la parte baja pero debe de estar ahí.

Dentro de una zona, lo puedes tener en la parte más baja o en la parte más alta y se puede interpretar como algo creativo. Pero salirse de la zona no. Si esto se tiene claro a la hora de revelar una fotografía con camera Raw, por ejemplo, al poderse ver en una zona concreta qué parte del histograma es, sabemos si la foto es correcta o no. No solo para mí en función de cómo esté calibrado, de cómo está el brillo, sino para el resto también.

A muchos usuarios seguro que les ha pasado que la foto en el ordenador la veían perfecta y una vez que la imprimen se ve oscura. Seguramente sea debido a que su monitor tenga tanto brillo que al bajarlo no se haya tenido en cuenta en qué zona estaba cada cosa. O bien al revés, que el monitor esté muy mate con un brillo muy bajo y al imprimir resulta que sale muy brillante. Es la parte matemática de la fotografía. Si un color tiene que tener un determinado nivel, debe de ser ese nivel. El tema está en diferenciar si una foto está mal expuesta o bien expuesta por dónde está cada cosa expuesta en su zona.

Hasta aquí el programa de hoy, una vez más, ¡feliz año nuevo! Ya nos diréis qué os han traído los Reyes y lo comentamos en los próximos programas. Muchísimas gracias como siempre por estar ahí, por vuestras reseñas de cinco estrellas iTunes, y por vuestros me gusta y comentarios en iVoox.

Gracias y hasta el próximo programa.

Los cursos que están actualmente en la web son:

Curso de iniciación a la fotografía digital

Curso de gestión de modelos

Curso de iluminación en estudio básico

Curso de Adobe Lightroom básico

Curso básico de marketing para fotógrafos

Curso de cómo montar tu propio estudio fotográfico